“Lo otro viene de un lugar que no es el mío” Crítica a El lenguaje de las sirenas

Colectivo Teatral Víaexpresa

Dramaturgia y Dir. Mariana de Althaus

“Quien escucha la voz de las Sirenas ya nunca se verá rodeado de su esposa y tiernos hijos, antes bien, lo hechizan éstas con su sonoro canto sentadas en un prado donde las rodea un gran montón de huesos humanos putrefactos, cubiertos de piel seca.”

-Camille, en El lenguaje de las sirenas

Mariana de Althaus, dramaturga y directora teatral, ha estrenado en la sala del Museo de Arte de Lima El lenguaje de las sirenas, obra ganadora del premio Iberescena el año 2007. La obra de Althaus es un retrato de una familia limeña aparentemente modélica -pero disfuncional- de clase alta, que va a la playa pese a que la alerta de tsunami. Ese mar embravecido y con olas enormes en cuya orilla la familia se instala -como fríos espectadores ante la bravura de la naturaleza- arroja a sus pies un ser fantástico que trocará sus relaciones y los enfrentará con lo real de su situación como familia y como seres humanos: una sirena. Solo ese hecho los “despertará” de su letargo. La familia, conformada por Félix (Javier Valdés), empresario exitoso y prepotente; Margot (Sofía Rocha), madre frívola y superficial; Camille (Laura Aramburú), hija retraída y con problemas de comunicación al parecer inexplicables; y Paul, (Sergio Gjurinovic) joven hijo que busca aceptación por parte de su padre, ve así alterado el transcurrir normal de su fin de semana en la playa. Empero, hay particularidades en esta sirena (Gabriela Merino), que la hacen aún más “especial”: es ‘chola’ y quechuahablante, solo la entiende -a medias- la empleada (Andrea Fernández). Interviene también Marco Antonio Huachaca (Robert) joven mestizo -diferente racialmente de la familia en sí- colaborador en la empresa de Félix, cuya presencia añade también algunos conflictos en la familia. La aparición sobrenatural consterna a la familia y cada uno va revelando su parecer con respecto de ese ser fantástico.

Para quienes conocemos la línea temática de las obras de Mariana de Althaus, salta a la vista que El lenguaje de las sirenas trasunta tópicos recurrentes de la autora, como las familias fragmentadas y las mujeres portadoras de algún saber o palabra especial, en general, de la figura de la mujer misma. Así, Camille puede comunicarse y traducir el lenguaje de la sirena, ese “otro modo de decir” -que solo la empleada, por su condición de migrante conoce- y que ella, ante la sorpresa de su familia, entiende también. El texto escénico que construye Mariana de Althaus es efectivo y consistente. El elemento fantástico, pese a su propia naturaleza, no está fuera de lugar y más bien es cohesionador de la puesta: desequilibra para equilibrar. Consideramos este montaje supera a los dos anteriores del colectivo (Madrugada y Astronautas).

Se trata de una construcción dramatúrgica de alguien con experiencia, lo cual se traduce en la solvencia de los elementos escénicos. Si bien es cierto el texto dramático ha sido cambiado y cortado para ser puesto en escena, estos “cortes” no se dejan ver, pues la construcción del texto escénico es coherente. Las luces y el constante rugir de las olas del mar son modulados y colocan al espectador en la atmósfera ideal que la obra pretende transmitir: intensos y fuertes en algunos momentos, o suaves y débiles en otros. Destacamos las actuaciones de Laura Aramburú, Sofía Rocha y Andrea Fernández, que logran un desempeño solvente, adecuado a la condición que representan. No sucede lo mismo con las participaciones de Sergio Gjurinovic y Marco Antonio Huachaca, cuyas interpretaciones resultan poco convincentes.

Si bien, como hemos mencionado, se trata de un montaje plausible y coherente -aunque recurre al retrato de estereotipos y demás vicios comunes que apelan a la risa fácil del público, que estalla en carcajadas cada vez que escucha la palabra “cholo”-, son otros los puntos que nos invitan a la reflexión; en particular la cuestión de la construcción de ese ser completamente otro -la sirena “chola y quechuahablante”- que pretende ser una metáfora debeladora y representativa de los problemas de discriminación y construcción de poderes en nuestra sociedad. Son muchas las interpretaciones que se pueden dar al símbolo referido, y si nos referimos al referente primario -el canto de las sirenas en La Odisea-, ¿se trata acaso de que ese canto, ese lenguaje del “otro” -la sirena- es enloquecedor y subversivo, que quiebra el  orden tradicional de las estructuras sociales? ¿De qué “integración” se está hablando como metáfora en el texto escénico, entonces? ¿Se trata de un montaje que combate la discriminación, o que más bien refuerza el ideario excluyente? Que los espectadores saquen sus propias conclusiones.

Dejamos algunos links de entrevistas brindadas por la dramaturga en las que se manifiesta sobre este punto y sobre otros en torno al montaje.

Entrevista brindada a Jorge Eslava:
http://www.larepublica.pe/25-07-2012/da-vergueenza-esa-pituqueria-que-cholea
Entrevista brindada a Lima en escena
 http://www.limaenescena.com/2012/07/mariana-de-althaus-si-sembramos-odio-es.html
Crónicas Marcianas
http://blogs.peru21.pe/cronicasmarcianas/2012/07/el-lenguaje-de-las-sirenas.html
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8 thoughts on ““Lo otro viene de un lugar que no es el mío” Crítica a El lenguaje de las sirenas

  1. Hola Gabriela, yo también he visto esta obra, y realmente como lo dice Alonso Alegría en su crítica:
    http://blogs.peru21.pe/teatrosyteatreros/2012/07/he-visto-la-obra-del-ano-y-es.html

    es una obra estupenda y es muy probable que sea una de las mejores del año.

    Discrepo con tu crítica cuando dices que apela a provocar la risa facil con la palabra “cholo”. Jamás debes ver un texto como si buscara algo en el publico, sino como una historia muy bien contada. La palabra cholo provoca risa o sentimientos encontrados porque en el cerebro del limeño existen mil cosas propias de c/u, por eso algunos rien y se controlan, otros no lo hacen y miran con desaprobación.

    He leido el mismo comentario de “estereotipos y demás vicios comunes que apelan a la risa fácil del público” en otras criticas que has hecho, y creo que te equivocas si tienes como punto de referencia ese aspecto. Tal vez sea por tu edad o poca experiencia.

    Lo otro que tampoco comparto es la diferenciación en el desempeño de los actores que haces, pues todos están a la altura de la obra y están en acción todo el tiempo, buscan el objetivo y se nota un buen trabajo en la construcción de personaje naturalista. Incluso el personaje de Richard (MArco Antonio Huachaca)refleja muy bien al peruano emergente q reniega de su raza con otro status social y compañero del personaje de Javier Valdez y se nota la intención “arribista” con él y con su gran proyecto, buen trabajo vocal para las partes más difíciles del final.
    Igual con el personaje de Sergio Gjurinovik que con un personaje dificil, demuestra la lucha por la aprobación del padre, siendo él muy fragil.

    No entiendo muy bien pues no fundamentas mucho la critica q haces. De todas formas esta obra es altamente recomendable. La vez que fuí con teatro lleno, la gente reaccionaba de distintas maneras a cada “golpe” que es como yo llamaría a lo que transmite en la obra, y es que la obra no te suelta ni te deja respirar sino hasta el final cuando deja al publico “nokeado” sin saber como reaccionar.
    Como dije, creo que mucho depende de lo que uno tenga en el subconciente la reacción ante esta muy bonita obra.
    Muy recomendable, con actuaciones estupendas!

    Saludos
    Jose Ramirez

    • Creo tambièn que es una buena obra, y màs aún, el mejor montaje como parte del Colectivo. Ademàs concuerdo contigo cuando refieres que es una obra bien contada, pues lo es -y eso lo menciono en mi crìtica-, es un texto escènico coherente y sòlido. Con respecto de los“estereotipos y demás vicios comunes que apelan a la risa fácil del público” es un eje comùn que he notado en los montajes del colectivo, y quizà se trate de la poetica que ellos manejan.
      Enfatizo el “he notado”, pues cada ejercicio de espectaciòn es diferente, es imposible que todos veamos lo mismo, de ahì que surjan desacuerdos; ¡he ahì un factor importante de la crìtica como gènero!
      Es una obra relevante a tener en cuenta en el desarrollo del teatro y la dramaturgia -de autor- peruana.
      Aùn quedan seis meses en el año, habrà que ver que màs nos trae la escena local. Saludos!

  2. Critica acertada. El colectivo via expresa ha demostrado, con 3 obras ya en su foja, la mediocridad y falta de tino que posee. Asistir a esta obra fue como ver un replay de “Esta Sociedad”, solo que con la intención (no lograda) de hacer reflexionar al espectador, debido al abuso de estereotipos. ¿Cuándo entenderan que para [intentar] representar la actual sociedad Limeña no es necesario apelar a burdos espectáculos llenos de albures y personajes estereotipados a más no poder?

    Aunque discrepo en la parte del desempeño actoral. La actuación de Aramburú me pareció nefasta, principalmente por la forma en que impostaba la voz (cosa que también me fastidio en “El dragon de oro”.

    • Creo que “mediocre” es un adjetivo que no viene a lugar. Si bien el trabajo del colectivo recae en esteriotipos, y el desempeño actoral no es homogéneo; el texto escénico es solvente y no merece, a mi parecer, ser desmerecido de ese modo. Saludos.

  3. Mi comentario va en torno a preguntarme si lo que no me convenció de El Lenguaje de las Sirenas se debe a la producción, la puesta en escena, a la misma obra, o ambas?

    ¿Cómo ir más allá de la banalización y superficialidad de los personajes / estereotipos?.Aunque algunos de los blogueros aquí presentes pudieron hacerlo no es mi caso. Por ejemplo, el hecho que la empleada diga no entró al mar porque lo tiene prohibido y luego dijera si yo entrara a la mar cambiaria el mundo es una frase muy estereotipada y grandilocuente que se pierde o banaliza cuando antes la madre dice en ingles algo para que la criada no entienda. Y esto contribuye al desempeño de las actuaciones. A pesar de su destreza y profesionalidad, aun Sofía Rocha no llega a desprenderse de la impostación del estereotipo.

    Evidentemente la intención de la autora directora es romper la cuarta pared e interpelarnos al poder ser también nosotros, el publico el mar que ruge y se apacigua. Nos dice Gabriela Javier, centrando el tema eje de la obra en la exclusión. ¿Se trata de un montaje que combate la discriminación, o que más bien refuerza el ideario excluyente?

    Y si, que las espectadoras / espectadores saquen sus propias conclusiones. Yo nuevamente me pregunto, ¿es la obra misma, el montaje, o ambas cosa lo que me confunde? En todo caso, sería interesante ver otra puesta en escena de la misma obra

    PD: No necesariamente los que tenemos más edad y “experiencia” hacemos una mejor o peor comentarios. Lo que si es importante es hacerla a profundidad, distancia pero a la vez posicionamiento. Y claro siempre no pensar que tenemos la ultima palabra.…

    • Me parece, Gustavo, que en tanto la puesta en escena en sí es reveladora del trabajo ‘detrás‘ y constituye unidad en sí misma, se trata de un montaje coherente y que se desarrolla con solvencia escénica, convincentemente. En lo referente al tema -que es una cuestión adyacente a la puesta-, creo que podría ser ese el factor que podría generar un no-convencimiento de la presumible interpelación al espectador. O que al menos, en mi ejercicio de espectación, no generó (de ahí que deje la pregunta abierta a diversos pareceres, pues mi perspectiva no tendría por qué ser la única). Creo que tiene que ver también con lo que mencionas con respecto de la impostación de estereotipos que no logran generar convencimiento y más bien trivializan un poco -a mi parecer- el cuestionmiento. No por ello deja de ser una puessta interesante de ver -y de pensar- en el desarrollo de la dramaturgia peruana actual. Gracias por aportar al debate, saludos!

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